L'estetica del kitsch
Ermete
Una foto di un dio greco stilizzato di un corpo maschile ideale. Una coppia di fotografi francesi ha introdotto con forza e consapevolezza l'estetica seducente del kitsch nell'iconosfera contemporanea. Il loro successo è stato misurato dagli ordini per i ritratti dei grandi di questo mondo: Jean-Paul Gaultier, Paloma Picasso e Marc Almond. La composizione è stata ispirata da un dipinto del XIX secolo di un pittore francese accademico Jules Delauney. Pierre e Gilles intrattengono spesso un dialogo con l'arte antica, sia antica che successiva. Tuttavia, saturano le loro versioni di temi classici con una dose massima di erotismo e forse anche perversione.
Hermes, Pierre Commoy e Gilles Blanchard, 2001
Oggetto di culto
Il pastore di Parigi
Desmarais non è un pittore molto famoso, ma i gay canadesi considerano questo culto della pittura. Per questo, secondo il commissario della mostra di Parigi e, allo stesso tempo, il direttore del museo - il canadese Guy Cogeval, non poteva mancare. Inoltre, se accostato all'Hermes di Pierre e Gilles, divenne il suo emblema visivo. Oggi sembra perfetto. Tuttavia, ciò che è interessante, quando è stato presentato al pubblico per la prima volta, è stato riscontrato che lo sfondo era dipinto molto male, il che ha reso l'intera composizione non molto ben valutata. Presenta Parigi come un pastore innocente, ignaro della sua origine reale, e in futuro come l'autore della guerra di Troia e la caduta della sua nativa Troia.Questo dipinto doveva essere una prova di ottima conoscenza dell'anatomia, perché questo era ciò che ci si aspettava dai giovani studenti dell'Accademia di Belle Arti. E così è stato, anche se il futuro gli ha dato nuovi contesti omosessuali.
Il pastore Parys, Jean-Baptiste Frdric Desmarais, 1787
Anatomia prima di tutto
Uguaglianza prima della morte
A volte nella storia dell'arte ci sono immagini che non possono entrare in nessuna scatola. È così con quest'opera, che colpisce per il suo violento e inaspettato naturalismo, anticipando l'apparizione di questa tendenza nella letteratura e nell'arte. Non solo, infatti Bouguereau era un idealista e accademico giurato nella sua arte, e questo dipinto è uno strano incidente sul lavoro. Senti che il pittore ha voluto mostrare qualcosa di estremamente importante, una sorta di verità eterna, ovviamente rivestita di abilità accademiche: l'anatomia prima di tutto! Allo stesso tempo, la storia dell'arte conosce il nobile antenato di questa produzione, ovvero il dipinto "Cristo morto" di Hans Holbein (dipinto negli anni 1521-1522), di fronte al quale,Dostoevskij stava per perdere la fede.
L'uguaglianza prima della morte, William Adolphe Bouguereau, 1848
Incantato
Jason e Medea
Moreau era un pittore che voleva sapere tutto, ricreare tutto, dipingere tutto da solo. Per lui la storia dell'arte era come un libro aperto da usare costantemente. Ha studiato le realizzazioni di artisti di epoche passate ed è stato in grado di creare opere di qualsiasi stile, ma fortunatamente ha creato in proprio, forse un po 'troppo ornamentali e sovraccarichi di dettagli, ma senza dubbio sempre coinvolto nella storia raccontata. Nel corpo ermafrodito di Jason, Moreau ha combinato l'ideale dei nudi rinascimentali con le conquiste del classicismo del XIX secolo. Il giovane dai capelli biondi doveva i suoi mitici successi - la runa ottenuta - agli incantesimi di Medea, che era innamorata di lui. Lo si nota nel suo sguardo affettuoso e nel gesto premuroso della mano appoggiata sulla sua spalla.A questo punto si può ancora vedere l'amore e l'armonia, ma nella mitologia Medea rimane sinonimo di vendetta e infanticidio.
Jason e Medea, Gustave Moreau, 1865
Come una copia della natura
Età del bronzo
Questa visione perfetta del corpo maschile fu mal accolta dai contemporanei, perché era semplicemente considerata un calco di un modello vivente. In questo lavoro giovanile, Rodin ha rivelato la sua assoluta maestria, la completa padronanza del laboratorio. È difficile trovare un atto di riconoscimento più grande del sospetto che sia una copia della natura e non la composizione di un artista. In questo lavoro, la capacità umana di ricreare la realtà ha raggiunto la sua pienezza assoluta senza il minimo dubbio, e alla fine ha liberato la scultura da ogni obbligo nei confronti dell'architettura o della decorazione. Alla fine, la scultura ha ottenuto l'indipendenza.
L'età del bronzo, Auguste Rodin, 1877
Pilastro del simbolismo
La ruota della fortuna
Burne-Jones è stato uno dei rappresentanti più importanti del gruppo di pittori inglesi noti come i Preraffaelliti. Questo dipinto è forse la sua opera più famosa, riprodotta più volte e importante per il simbolismo emergente in Europa in quel momento. È anche difficile trovare una presentazione più eloquente di questa. La fortuna era immaginata come cieca, ma in Burne-Jones, sebbene i suoi occhi siano aperti, non ha alcuna influenza su chi emergerà sulla ruota della fortuna che gira. Re e altri potenti di questo mondo appaiono per un momento e periscono di nuovo, annegati. Il tema antico serve ancora una volta a mostrare gli straordinari nudi maschili ispirati all'arte di Michelangelo, interprete insuperabile dell'anatomia maschile. Burne-Jones è il suo debitore non pagato.
Ruota della fortuna, Edward Burne-Jones, 1877
